In attesa della prima edizione di ARTis, la grande festa dedicata all’arte e agli artisti, che si svolgerà a Vicenza dal 10 al 16 novembre, vi proponiamo un ciclo di interviste dedicate al tema della prima edizione: «Non c’è arte senza artista». La parola a Mark Dunhill e Tamiko O’Brien.

ARTis intende definire l’arte prima di tutto come professione, attraverso l’artista: come definite voi l’arte a livello professionale?
Per noi l'arte è prima di tutto un atto di ricerca: potremmo definirla una vocazione, o forse una compulsione, qualcosa che deve essere fatto per soddisfare la curiosità dell'artista. Si potrebbe dire che diventa una professione quando si partecipa e ci si confronta con gli altri nel mondo dell'arte, o «nel mondo dell'arte», così come nel mondo in generale.

A livello professionale: cosa vi aiuta o vi ha aiutato di più nella vostra produzione artistica?
Tempo fa, quando eravamo studenti d'arte molto seri, riflettevamo sulle risposte che sentivamo dare da altri artisti a questa domanda: nella maggior parte dei casi ci sembrava che creassero arte per sé stessi, come mezzo di espressione personale. Ma per ognuno di noi l'arte sembrava più gratificante di quanto non fosse un'attività completamente solitaria. In modo del tutto indipendente, ci siamo allora resi conto che qualsiasi arte creiamo è possibile solo perché l'arte è stata e viene perseguita da altri: che fare arte significa partecipare a una conversazione attraverso il tempo e lo spazio. In senso più pratico: avere accesso a studi adeguati e a basso costo è stato essenziale. Per alcuni anni ognuno di noi ha beneficiato di edifici industriali riqualificati con un affitto minimo. I finanziamenti per la ricerca ci hanno aiutato a sviluppare e realizzare progetti di una portata o un livello di ambizione che altrimenti non avremmo potuto prendere in considerazione. Gli inviti a partecipare a progetti e mostre sono inevitabilmente rassicuranti, e avere una scadenza aiuta sempre a concentrarsi. Naturalmente, avere tempo per lavorare e tempo per fallire è importante. Entrambi abbiamo dovuto destreggiarci e trovare il tempo per mantenere la nostra attività, parallelamente al lavoro come accademici universitari e alle responsabilità nel corso degli anni. A volte abbiamo lavorato insieme in una sorta di staffetta e abbiamo anche imparato a essere flessibili e a trovare il modo di lavorare intensamente quando il tempo lo permette.

ARTis, Festival dell’Arte, offre la possibilità di dialogare di arte, coinvolgendo il pubblico generale e gli addetti ai lavori senza costrizioni commerciali. Quali sono i vantaggi di un’esperienza del genere?
Lavorare in modo collaborativo significa essere in un costante stato di dialogo e negoziazione. Ci siamo spesso impegnati in un dialogo più ampio attraverso workshop, collaborazioni con i partecipanti e presentazioni sulla nostra pratica. Queste esperienze sono state estremamente preziose e ci hanno aiutato a entrare in contatto con un luogo o un contesto specifico, e spesso tali dialoghi si sono rivelati sorprendenti e arricchenti. Nel frattempo, abbiamo entrambi lavorato nell'ambito dell'istruzione superiore artistica per molti anni, quindi lo scambio di idee con colleghi, studenti e altre persone esterne a queste istituzioni è stato e continua ad essere importante per noi.

A Leonardo Da Vinci è attribuita l'affermazione: «L’Arte non è mai finita. Solo abbandonata». Cosa ne pensate?
Pensiamo che Giacometti abbia detto più o meno la stessa cosa. Il concetto di «finitura» suggerisce completamento e chiusura, ma per noi l'arte è un processo continuo. A volte questo processo raggiunge una sorta di risoluzione, idealmente dove «il tutto è maggiore della somma delle sue parti». Naturalmente, una delle capacità più importanti per un artista è sapere quando fermarsi, quando un'opera d'arte ha una sua energia, identità e autonomia e quando allontanarsi, anche se non siamo sicuri di poterlo descrivere come un atto di abbandono.

Il contesto dell’arte contemporanea è ben diverso da quello dell’arte del passato. Secondo voi quali sono i momenti fondamentali che hanno segnato il passaggio dal passato al contemporaneo attraverso il moderno?
Quella che segue è una risposta breve, spontanea, idiosincratica e personale a una domanda fondamentale. Si limita principalmente ad alcuni dei momenti (del XX secolo) più rilevanti per la nostra pratica, ma anche in questo caso ci sarebbe molto altro da scrivere. Come artisti collaborativi, siamo inevitabilmente interessati ai modi in cui gli artisti hanno esplorato il lavoro di squadra: da Picasso e Braque che lavoravano fianco a fianco a Parigi all'inizio del secolo scorso come «due alpinisti legati insieme» nella loro impresa comune chiamata Cubismo, alle performance dadaiste al Cabaret Voltaire di Zurigo (uno dei tanti risultati sono i Duo-collage di Sophie Taeuber Arp e Hans Arp), fino ai surrealisti parigini che adattarono il gioco da salotto di Consequences per sviluppare un metodo di disegno collaborativo, Cadavre Exquis (Cadavere Squisito). Poi, naturalmente, ci furono importanti avventure collaborative attraverso il Black Mountain College negli anni '50, così come Fluxus e Mono-Ha negli anni '60, che aprirono la strada ad affinità condivise come l'Arte Povera, il Blk Art Group e pratiche collaborative rivoluzionarie come Gilbert e George; Marina Abramović e Ulay; Komar e Melamid; Bernd e Hilla Becher; le Guerilla Girls; Group Material; Superflex; Gelatin e Chim Pom. Un altro aspetto molto significativo fu il riconoscimento finale di collaborazioni che in precedenza erano state guidate da artisti maschili, come le pratiche di Edward Kienholz e Nancy Reddin Kienholz, così come Christo e Jean Claude. Nel frattempo, ci sono alcune sculture e mostre che segnano significativi momenti di rivelazione, che ampliano le possibilità materiali e concettuali della scultura, come la Colonna Infinita di Brancusi a Târgu Jiu in Romania; la magnifica serie di opere intagliate in legno di guarea di Barbara Hepworth, tra cui Corinthos; Il respiro dell'artista di Piero Manzoni; il lavoro con il lattice liquido di Eva Hesse; Bruce Nauman che gira «Camminando in modo esagerato attorno al perimetro di un quadrato»; le opere tagliate di Gordon Matta Clark e la Venere degli stracci di Michelangelo Pistoletto. Dovremmo aggiungere praticamente tutto ciò che è stato realizzato da Joseph Beuys e Louise Bourgeois a questa lista. Mostre come «When Attitudes Become Form» (1969) e "«he Other Story» (1989) hanno riconosciuto l'importante ruolo della curatela, mentre lo sviluppo di grandi esposizioni cittadine come lo Skulptur Projekte Münster, Documenta e la Biennale di Venezia non dovrebbe essere sottovalutato. Nel frattempo, l'inaugurazione della Tate Modern nel 2000 ha rappresentato un momento di grande importanza per noi nel Regno Unito.

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