«Graffiti», aperta dal 29 marzo al 14 settembre nel Museion si definisce «la prima mostra istituzionale in Italia a esplorare l’evoluzione dell’uso della pittura spray nell’arte». Chiediamo a Leonie Radine, curatrice insieme a Ned Verna, di spiegarci questa definizione e illustrarci i contenuti: «È la prima mostra istituzionale in Italia dedicata alle relazioni tra graffiti e arti contemporanee. Ci sono state parecchie mostre sui graffiti in passato, ma curate da una prospettiva istituzionale diversa e con un focus specifico su un movimento. Questa mostra va oltre la storicizzazione dei graffiti come pratica “outsider”. Per la prima volta in un museo italiano, i graffiti sono considerati come parte della storia dell’arte e prima di tutto come un modo di guardare alle realtà urbane».

Quando nasce il Graffitismo e come si è evoluto?
Alla fine degli anni Sessanta. Molti writer rappresentati in questa mostra, come Rammellzee, Futura 2000, Lee Quiñones, Blade, Daze e Dondi White, facevano parte di un movimento nato a New York negli anni Settanta e sviluppato nei primi anni Ottanta. Le loro opere in mostra sono state realizzate in un periodo in cui il mondo dell’arte stava tentando di trarre profitto dalla pratica emergente di scrivere graffiti sulla metropolitana di New York City, facendo loro eseguire su tela ciò che avrebbero fatto sui treni. Verso la fine degli anni Ottanta, New York City aveva in gran parte eliminato i graffiti sulle metropolitane attive. Pertanto, il lavoro di questi writer ora esiste solo su queste tele come prova sopravvissuta della loro pratica di quel periodo.

Qual è l’obiettivo di questa mostra e quale arco temporale prende in considerazione? 
Più che tracciare gli inizi dei graffiti e storicizzare un movimento, direi quello di integrare i graffiti in un canone storico dell’arte e in una cronologia della pittura a spruzzo che ha il suo punto di partenza negli anni Cinquanta. Poco dopo che le bombolette spray furono brevettate negli Stati Uniti e gli artisti iniziarono a sperimentare il nuovo strumento nella foschia dell’Espressionismo astratto e del Minimalismo. Inoltre racconta l’impatto che i graffiti hanno avuto sull’arte contemporanea fin dai suoi inizi e come i due campi d’azione spesso separati abbiano continuamente interagito e influenzato l’un l’altro. Riunisce opere transdisciplinari, dal 1955, data del primo dipinto, alle opere site specific prodotte qui e ora, nel 2025.

Qual è il rapporto tra l’intervento artistico concepito per la strada e l’opera elaborata in studio? 
Questa relazione tra strada e studio è il fulcro della mostra. Hedda Sterne non riusciva a trovare uno strumento di pittura più sorprendente della nuova invenzione industriale di una bomboletta spray per rappresentare la sua percezione della velocità e del movimento all’interno dell’architettura urbana di New York, con le sue infrastrutture di nuova costruzione negli anni Cinquanta. Martin Barré vide un tag nella metropolitana parigina nel 1963 e da allora produsse una vasta serie di dipinti con spray nero su tela. La mostra illustra inoltre come i writer fecero i conti con la trasposizione dell’arte dei graffiti dal treno alla tela negli anni Ottanta, cosa che comportò nuove sfide di composizione su un mezzo che può essere dipinto in uno studio, senza il rischio di pericolo fisico o conseguenze legali. Alcuni degli artisti mantennero una fedeltà alla loro pratica della pittura a spruzzo sui treni e conservarono i codici visivi dei graffiti della metropolitana, mentre altri si allontanarono verso la rappresentazione o l’astrazione.

Quali sono state le interazioni tra i due modi di operare?
La pratica di strada e quella di studio si sono influenzate notevolmente a vicenda, soprattutto da quando artisti come Keith Haring, Jenny Holzer e Martin Wong hanno collaborato con gli scrittori negli anni Ottanta. Oggi, una semplice linea di vernice spray nei dipinti contemporanei di artisti internazionali come Heike-Karin Föll, Michael Krebber o Christopher Wool evoca immediatamente la strada e associazioni con la cultura urbana e la ribellione. Anche scrittori contemporanei rispettati a livello internazionale mantengono una pratica di studio: Wanto, ad esempio, ha sviluppato una serie poetica di dipinti a olio in miniatura su acciaio, raffiguranti scene di vita urbana a Tokyo. 

Quanto il paesaggio urbano ha influenzato questa forma d’arte?
L’ultimo piano del Museion si trasforma in un paesaggio urbano, dove graffiti e arredo urbano diventano materiale per sculture e installazioni spaziali mentre compaiono anche in film e fotografie. Esempi chiave sono i readymade di Klara Lidén con bidoni della spazzatura e scatole di derivazione piene di etichette e adesivi recuperate in vari spazi urbani del mondo. «New Media Express» (2014-16) di Josephine Pryde è un modellino di treno in scala ridotta ricoperto di graffiti in miniatura, su cui i visitatori possono salire per sperimentare un cambiamento di prospettiva sull’ambiente circostante. Tutte queste opere transdisciplinari fanno riferimento al mondo reale dalla strada in piccoli lampi sparsi sulle superfici. I paesaggi urbani non solo costituiscono lo sfondo per i graffiti, ma molti artisti contemporanei sono giunti alla pittura o alle loro pratiche interdisciplinari osservando le realtà urbane attraverso la lente dei graffiti. Il vocabolario visivo della strada ha ispirato il lavoro di molti artisti oggi.