MoMA: Hilma af Klint, What Stands Behind the Flowers (dall'11 maggio al 27 settembre)

https://www.moma.org/calendar/exhibitions/5779

La mostra si concentra su una serie di disegni inediti nella collezione del MoMA: acquerelli dai colori brillanti realizzati da una naturalista dall'occhio attento, in sintonia con i ritmi e la generosità della stagione della fioritura. Nella primavera e nell'estate del 1919 e del 1920, durante un periodo di intenso contatto con la natura, Hilm af Klint disegnò fiori quasi ogni giorno. Af Klint immaginava il suo portfolio come un "atlante" che descriveva in dettaglio le piante della Svezia, dove viveva e lavorava. La sua, tuttavia, è una flora dello spirito, una mappatura del mondo naturale in termini spirituali che potrebbe affiancarsi a qualsiasi risorsa scientifica. Mettendo in dialogo rappresentazione e astrazione, osservazione attenta e immaginazione, arte e botanica, i disegni di af Klint riconoscono l'interconnessione di tutti gli esseri viventi. 

MoMA, Jack Whitten. The Messenger (fino al 2 agosto)

https://www.moma.org/calendar/exhibitions/5785

Questa retrospettiva è la prima a coprire tutti i sei decenni e tutti i mezzi espressivi della pratica innovativa di Whitten e presenta oltre 175 dipinti, sculture e opere su carta che illuminano il suo singolare percorso artistico. La mostra presenta una storia rivelatrice dell'esplorazione dell'artista nei campi della razza, della tecnologia, del jazz, dell'amore e della guerra. Dai tumulti degli anni '60 fino alla fine della sua vita nel 2018, Whitten ha dovuto affrontare grandi pressioni affinché continuasse a dedicarsi all'arte figurativa come forma di attivismo. Eppure ha osato inventare forme di astrazione, offrendo al mondo un nuovo modo di vedere. Jack Whitten, nato a Bessemer, in Alabama, nel mezzo della violenza del Sud segregato, si è unito al movimento per i diritti civili, per poi trasferirsi a New York nel 1960. Lì ha deciso di diventare un artista. Attraverso la sua esplorazione di materiali e strumenti, dalle nuove vernici ai pettini afro e alla stampa elettrostatica, Whitten ha inventato tecniche artistiche che sono state le prime nel loro genere. Attraverso il confronto con il pregiudizio razziale e il cambiamento tecnologico, ha dato importanza all'arte in un mondo in subbuglio. 

MoMA: «Woven Histories. Textiles and Modern Abstraction» (fino al 13 settembre)

La mostra indaga i legami tra la tessitura e l'astrazione. Con opere di Sonia Delaunay, Hannah Hoch e Sophie Taeuber-Arp, i cui lavori tessili sono paralleli alla loro pittura e al loro disegno, opere di metà secolo di Albers e Ed Rossbach e opere contemporanee di Rosemarie Trockel, Andrea Zittel e Igshaan Adams, questa mostra riunisce più di 150 oggetti diversi e interdisciplinari. Mettendo in evidenza le questioni del lavoro e dell’identità che sono intrecciate con la moderna produzione tessile, il percorso espositivo  evidenzia come la tessitura e i tessuti siano il legame per eccellenza tra l’esperienza vissuta e l’arte. Incorporando cesteria, abbigliamento e più di un secolo di altre opere tessili che sfidano le divisioni accettate tra arte e artigianato, questa mostra amplia la storia dell'astrazione, suggerendo che non solo le idee ma anche i materiali, come il tessuto intrecciato, annodato e intrecciato, sono fondamentali per la sua comprensione e il suo successo.

Whitney Museum: Amy Sherald. American Sublim (fino al 10 agosto)

https://whitney.org/exhibitions/amy-sherald

Dopo essere stata presentata al SFMOMa, a San Francisco, questa mostra arriva a New York. L'artista, ha ricordato il museo, è una narratrice. Crea racconti accuratamente elaborati della vita americana, selezionando, stilizzando e fotografando i suoi modelli come base per i suoi dipinti ricchi di sfumature. Pertanto, sebbene Sherald (nata nel 1973 a Columbus, in Georgia) basi le sue opere su persone specifiche, queste sono molto più che ritratti tradizionali. Sono incentrati sulla vita quotidiana dei neri americani, affascinanti nella loro individualità e straordinari nella loro normalità, che invitano gli spettatori a entrare nei mondi immaginari di Sherald. In questa mostra, i dipinti di questi americani comuni si uniscono ai suoi iconici ritratti della First Lady Michelle Obama e, in modo straziante, di Breonna Taylor, per produrre un'ode risonante alla molteplicità e alla complessità dell'identità americana. Sherald crea anche le immagini che vorrebbe vedere nel mondo. Sebbene si consideri un'erede della tradizione realista americana di artisti come Edward Hopper, un genere che è stato centrale nelle origini del Whitney quasi un secolo fa, questi artisti si concentravano sulla vita quotidiana dei bianchi americani. Sherald, invece, privilegia una popolazione che è stata storicamente omessa dalla storia dell'arte e dalla rappresentazione visiva più ampia, suggerendo un pensiero più ampio sul realismo americano.

Solomon R. Guggenheim Museum: Rashid Johnson. A Poem for Deep Thinkers (dal 18 aprile 2025 al 18 gennaio 2026)

https://www.guggenheim.org/exhibition/rashid-johnson-a-poem-for-deep-thinkers

Da quasi 30 anni, l'artista Rashid Johnson (nato nel 1977 a Chicago) ha sviluppato un corpus di opere eterogeneo che attinge a una vasta gamma di discipline quali la storia, la filosofia, la letteratura e la musica. Questa importante mostra personale mette in luce il ruolo di Johnson come studioso di storia dell'arte, mediatore della cultura popolare afroamericana e forza creativa nell'arte contemporanea. Quasi 90 opere, dai dipinti con sapone nero e testi realizzati con vernice spray alle sculture su larga scala, ai film e ai video, riempiono la rotonda del museo, tra cui Sanguine, un'opera monumentale site-specific sulla rampa superiore dell'edificio con un pianoforte incorporato per performance musicali. Inoltre, un dinamico programma di eventi, sviluppato in collaborazione con partner della comunità di New York City, anima un palcoscenico scultoreo sul pavimento della rotonda.

Metropolitan Museum of Art: «Sargent and Paris» (fino al 3 agosto)

La mostra esplora la prima parte della carriera del pittore americano John Singer Sargent (1856-1925), dal suo arrivo a Parigi nel 1874 come precoce studente d’arte diciottenne fino alla metà degli anni Ottanta del XIX secolo, quando il suo iconico ritratto «Madame X», uno dei pezzi più amati della collezione del Met, riscosse uno scandaloso successo al Salon di Parigi. La mostra esamina in profondità questo affascinante ritratto, culmine artistico dei primi anni di Sargent a Parigi, e i numerosi schizzi preparatori ed è esposto insieme a ritratti selezionati di parigine realizzati dai contemporanei di Sargent. Nel percorso espositivo diverse opere di Sargent di questo periodo illustrano non solo lo studio di ritratti, ma anche le ispirazioni che gli derivarono dai viaggi in Italia, Paesi Bassi, Spagna e Nord Africa.  Fino all'11 maggio al MET è visitabile anche la grande mostra "Caspar David Friedrich. The Soul of Nature" (https://www.metmuseum.org/exhibitions/caspar-david-friedrich-the-soul-of-nature), la prima mostra completa dedicata all'artista negli Stati Uniti, con circa 75 opere di Friedrich. Dipinti a olio, disegni finiti e schizzi preparatori di ogni fase della carriera dell'artista, insieme a una selezione di opere dei suoi contemporanei.

Metropolitan Museum of Art: Superfine. Tayloring Black Style (dal 10 maggio al 26 ottobre)

https://www.metmuseum.org/exhibitions/superfine-tailoring-black-style 

La mostra primaverile 2025 del Costume Institute presenta un'analisi culturale e storica dello stile afroamericano nell'arco di tre secoli attraverso il concetto di dandismo. Nel mondo atlantico del XVIII secolo, una nuova cultura del consumo, alimentata dalla tratta degli schiavi, dal colonialismo e dall'imperialismo, consentì l'accesso a capi di abbigliamento e beni che erano indice di ricchezza, distinzione e gusto. Il dandismo afroamericano nacque dall'incontro tra le tradizioni stilistiche africane ed europee. La mostra esplora l'importanza dello stile nella formazione delle identità nere nella diaspora atlantica, in particolare negli Stati Uniti e in Europa. Attraverso una presentazione di abiti e accessori, dipinti, fotografie, arti decorative e altro ancora, dal XVIII secolo ad oggi, la mostra interpreta il concetto di dandismo sia come estetica che come strategia che ha permesso nuove possibilità sociali e politiche. Superfine è organizzata in 12 sezioni, ciascuna delle quali rappresenta una caratteristica che definisce lo stile, come Champion, Respectability, Heritage, Beauty e Cosmopolitanism. Insieme, queste caratteristiche dimostrano come la presentazione di sé sia una forma di distinzione e resistenza all'interno di una società influenzata da razza, genere, classe sociale e sessualità.

Metropolitan Museum of Art: «The New Art: American Photography, 1839-1910» (fino al 20 luglio)

Il percorso espositivo presenta una nuova e audace storia della fotografia americana dalla nascita del mezzo nel 1839 al primo decennio del XX secolo. Tratte dalla collezione William L. Schaeffer del Met, le opere più importanti di artisti acclamati come Josiah Johnson Hawes, John Moran, Carleton Watkins e Alice Austen sono esposte in dialogo con fotografie di professionisti sconosciuti realizzate in piccole città e paesi da costa a costa. Con una serie di formati, dai dagherrotipi e carte de visite alle stereografie e cianotipie, la mostra esplora il drammatico cambiamento nel senso di sé della nazione, guidato dall’immediato successo della fotografia come preoccupazione culturale, commerciale, artistica e psicologica. Nel 1835, ancor prima dell’annuncio quasi simultaneo dell'invenzione della nuova arte a Parigi e Londra, il filosofo e saggista americano Ralph Waldo Emerson osservò con notevole lungimiranza: «La nostra è un’epoca oculare».

Brooklin Museum: Nancy Elizabeth. Prophet: I Will Not Bend an Inch (fino al 13 luglio) https://www.brooklynmuseum.org/it-IT/exhibitions/nancy-elizabeth-prophet
Come artista afro-indigena, Nancy Elizabeth Prophet (americana, 1890-1960) ha portato avanti la sua attività artistica nonostante il razzismo e il sessismo radicati nella società. Le sue sculture sono uniche per le sfumature emotive e il virtuosismo tecnico, e la sua storia è un esempio di determinazione incrollabile. I Will Not Bend an Inch (Non mi piegherò di un millimetro), la prima mostra museale dedicata a questa scultrice poco conosciuta, rende omaggio al lavoro straordinario e all'eredità di Prophet con una nuova ricerca accademica molto attuale. Venti opere rare e documenti storici rivelano come abbia saputo muoversi in un mondo dell'arte ostile.

Brooklin Museum: Consuelo Kanaga. Chatch the Spirit (fino al 3 agosto)

https://www.brooklynmuseum.org/it-IT/exhibitions/consuelo-kanaga

Per 60 anni, Consuelo Kanaga (americana, 1894-1978) ha usato la sua macchina fotografica per affrontare le urgenti questioni sociali del suo tempo, dalla povertà urbana ai diritti dei lavoratori, dal terrore razziale alla disuguaglianza. Consuelo Kanaga: Catch the Spirit ripercorre l'opera rivoluzionaria e la vita dell'artista, mettendo in luce questa figura fondamentale ma spesso trascurata della fotografia moderna. Dopo un tour internazionale, la retrospettiva torna al Brooklyn Museum, che ospita la più vasta collezione al mondo dedicata a Kanaga. Quasi 200 fotografie, cimeli e filmati ripercorrono l'evoluzione della sua arte nel tempo e nei temi trattati, dai ritratti di artisti alle scene della vita nel sud degli Stati Uniti.

Frick Collection: «Highlights of Drawings from The Frick Collection» (fino all’11 agosto)

Una mostra di opere su carta provenienti dalla collezione permanente del Frick inaugura la nuova galleria Cabinet. Questi fogli sono raramente esposti a causa della loro sensibilità alla luce. La selezione di dodici opere spazia da schizzi a opere d’arte indipendenti altamente rifinite di artisti come Pisanello, Rubens, Goya e Degas, che abbracciano il periodo che va dal XV al XIX secolo e completano le collezioni del museo di dipinti, sculture e arti decorative.

Frick Collection: «Porcelain Garden: Vladimir Kanevsky at The Frick Collection» (fino al 6 ottobre)

In concomitanza con la riapertura della sua sede recentemente rinnovata e migliorata sulla Fifth Avenue, la Frick Collection presenta una serie di opere commissionate allo scultore Vladimir Kanevsky (nato nel 1951 in Ucraina). Note per i loro fiori in porcellana realistici, le sculture di Kanevsky sono state esposte in musei di tutto il mondo. Le sue sontuose creazioni vogliono evocare i bellissimi bouquet vivi esposti in tutto il museo quando fu aperto al pubblico per la prima volta nel 1935.

DIA Beacon: Renée Green: The Equator Has Moved (fino al 31 agosto 2026)

Nel meraviglioso museo a pochi chilometri da New York City è allestita la la prima grande mostra personale dell'artista multidisciplinare in un museo di New York. Dalla fine degli anni '80, Green ha prodotto opere densamente stratificate e basate sulla conoscenza, che adattano le strategie dell'arte minimalista e concettuale degli anni '60 e '70. Nel suo processo ricorsivo unico, Green giustappone una serie di materiali - frammenti d'archivio, documentari e letterari; oggetti personali e trovati; narrazioni speculative; e le sue opere esistenti - per indagare i confini instabili tra realtà e finzione, memoria pubblica e memoria personale.