Sebbene le istituzioni spesso spianino la strada a influenti approcci curatoriali, è attraverso l'interazione con il mercato dell'arte che questi approcci tendono a proliferare in tendenze più ampie. È quanto è accaduto negli ultimi anni con il crescente fenomeno delle mostre transistoriche, in particolare quelle che accoppiano i vecchi maestri con artisti contemporanei. Notevoli iniziative transistoriche sono apparse sporadicamente almeno negli ultimi quarant'anni, sia in contesti a scopo di lucro che non. A partire dal 1993, l'alleanza di 17 anni tra la Pace Gallery e Wildenstein & Co ha creato un precedente per i commercianti con un programma in gran parte attuale che si occupa di arte classica. L'iniziativa Trust New Art del 2009 del National Trust del Regno Unito ha inserito opere di artisti viventi nelle numerose dimore georgiane di cui si occupa. Sette anni dopo, il Metropolitan Museum of Art di New York ha inaugurato il suo programma nello storico Breuer Building con «Unfinished», una mostra che ha esplorato il concetto di completezza attraverso opere dal Rinascimento al XXI secolo.
 

Leonardo come catalizzatore
Eppure le presentazioni transistoriche hanno raggiunto un nuovo slancio globale nel novembre 2017, quando il «Salvator Mundi» di Leonardo è stato venduto per la cifra record di 450,3 milioni di dollari (comprese le commissioni) in una vendita serale di arte contemporanea e del dopoguerra da Christie's a New York. Da allora, l'arte antica e quella moderna sono state curate insieme più frequentemente e più ampiamente. Sebbene ci sia poco disaccordo sui contributi critici delle mostre inter-categoriali, gli esperti divergono ancora sulla questione se abbiano prodotto buoni affari in modo costante. Tra i sostenitori della presentazione transistorica c'è Roland Augustine, co-fondatore della galleria Luhring Augustine. «Treasures of the Medieval World» (fino all'8 marzo), nello spazio Tribeca del gallerista, presenta più di 40 opere provenienti dal Medioevo. È anche la quarta collaborazione della galleria contemporanea dal 2018 con il mercante d'arte medievale londinese Sam Fogg. «Queste mostre hanno avuto molto successo dal punto di vista curatoriale e critico», ha dichiarato Augustine. «Molto ha a che fare con il fatto che la comunità culturale ha una memoria molto selettiva. Siamo così sopraffatti dal mondo dell'arte contemporanea e dal suo mercato in questi giorni che abbiamo perso il senso di ciò che ci è venuto prima». Definendo la collaborazione transistorica «qualcosa da venerare e perpetuare», Augustine afferma che le mostre hanno anche avuto «un grande successo» nell'incoraggiare il collezionismo tra categorie diverse, anche se «l'aspetto commerciale non era la ragion d'essere della collaborazione». Oltre a generare vendite notevoli, afferma che il programma della galleria per l'arte moderna è stato recentemente fondamentale per convincere un artista importante ad unirsi alla sua lista.
 

Gli acquirenti trasversali sono rari

Sprüth Magers è un'altra galleria entusiasta del valore più ampio di un programma transistorico. La mostra del 2023 «The Kingdom of the Renaissance», curata dalla gallerista e consulente indipendente Mireille Mosler per la sede newyorkese della galleria, ha abbinato dipinti dell'artista contemporanea Karen Kilimnik, ispirati ai vecchi maestri, a opere dal Rinascimento al XIX secolo. «La risposta alla mostra è stata così positiva che abbiamo iniziato a pianificare mostre simili, inclusa la nostra prossima mostra di Andreas Gursky [che inaugurerà il 14 marzo] che abbinerà le sue opere a facsimili di dipinti di antichi maestri», afferma Philomene Magers, cofondatrice di Sprüth Magers. Tuttavia, Mosler, che dal 2006 cura mostre transistoriche, è più cauta riguardo al loro impatto sul commercio dell’arte. «Ci sono sicuramente alcuni acquirenti crossover, ma sono rari», dice. Tuttavia, aggiunge, se un'iniziativa transistorica «costringe un nuovo collezionista a fare un acquisto crossover, sta già aiutando il mercato». La recente ondata di arte moderna antica negli spazi contemporanei, e viceversa, ha coinciso con l’ascesa del «nuovo storicismo», un termine letterario recentemente ridefinito dalla critica Rachel Wetzler per descrivere le pratiche artistiche intese a «far rivivere, rimescolare, digerire e rinegoziare i precedenti storico-artistici». Oltre a Kilimnik, l'etichetta si applica anche a talenti in rapida ascesa come Emily Mae Smith, le cui astute scope antropomorfe sono state esposte insieme a opere di René Magritte ai Musei Reali delle Belle Arti in Belgio così come Jesse Mockrin, le cui composizioni figurative reinterpretano l’arte barocca. 

Mockrin sta rapidamente diventando un caposaldo trasversale: uno dei suoi dipinti è abbinato a un’opera del maestro fiammingo del XVII secolo Artus Wolffort in «Behind the Bedroom Door», una presentazione collettiva che attraversa le epoche alla galleria James Cohan di New York. «Questo tipo di mostre illustra il modo in cui molti collezionisti vivono con l'arte, che rifugge da una rigida cronologia o categoria», afferma un portavoce della galleria. Anche la Art Gallery of Ontario (AGO) di Toronto integrerà nella sua collezione di arte europea alcuni pezzi di Mockrin in una mostra che aprirà a settembre. E che dire della fazione di studiosi di antichi maestri che sostengono che le collaborazioni contemporanee svalutano le opere storiche? Non sorprende che coloro che intraprendono progetti transistorici considerino la reazione un aspetto positivo. «Proprio come la pratica di Jesse apporta una nuova prospettiva e solleva nuove domande su come vediamo un artista come [Hendrick] Ter Brugghen ... così Ter Brugghen ai suoi tempi sfidò i suoi predecessori del XVI secolo», afferma Adam Harris Levine, curatore associato di arte europea dell’AGO. «Come dice il proverbio, tutta l'arte era contemporanea ai suoi tempi».