Barbati Gallery presenta Table Manners, una mostra collettiva internazionale che riunisce 50 artisti provenienti da 18 paesi, tutti partecipanti a The Artist Roundtable – una piattaforma globale fondata nel 2020 da Pia Sophie Ottes per promuovere dialogo, mentorship e un senso di empowerment collettivo tra gli artisti. Gli artisti coinvolti rappresentano un contesto geografico ampio e diversificato: dall’Argentina alla Cina, dalla Slovenia agli Stati Uniti, da Beirut al Regno Unito, dalle Filippine all’Italia. Abbiamo incontrato gli artisti del progetto. Parola a Noemi Durighello.

L’Artist Roundtable ha sempre valorizzato apertura, cura e apprendimento reciproco. In che modo partecipare a questa comunità ha influenzato il tuo modo di affrontare la pratica artistica — nel tuo studio, nelle collaborazioni o nel modo in cui pensi al coinvolgimento del pubblico?

Avere uno scambio continuo con persone del mondo dell’arte e con altri artisti ha sempre giocato un ruolo centrale nella mia pratica. Per questo motivo, qualche anno fa ho deciso consapevolmente di lavorare in uno studio condiviso. Sono convinto che fare arte sia, soprattutto, un lavoro di squadra: avere un gruppo di fiducia con cui posso scambiare idee regolarmente è essenziale per lo sviluppo del mio lavoro individuale e per come esso viene infine presentato al pubblico. Partecipare all’Artist Roundtable ha ampliato ulteriormente questa rete e mi ha aperto nuove porte verso artisti e professionisti provenienti da tutto il mondo. Grazie a questo progetto, mi sento parte di una comunità ancora più ampia con cui posso condividere non solo idee creative, ma anche gli aspetti dietro le quinte della produzione artistica, quelle parti di cui spesso parliamo con un po’ più di esitazione.

“Table Manners” trasforma l’idea di una tavola condivisa in una metafora del dialogo e della connessione. In che modo il tuo lavoro in mostra risponde o incarna questa idea del ritrovarsi — dell’essere in conversazione con gli altri attraverso l’arte?

L’opera che presento in mostra è una serie di lavori A3 su carta appartenenti alla mia serie “Second Natures”. In questi pezzi dipingo a olio sopra collage digitali (realizzati sul mio telefono) stampati su carta. Qui, il materiale e la sua riproduzione si fondono in un insieme di composizioni intrecciate, in cui frammento e riassemblo immagini tratte dal mio archivio digitale, mentre il gesto pittorico completa il loro significato: collegando o cancellando elementi man mano che si sviluppa. Poiché non lavoro con disegni preparatori, lascio che sia l’intuizione a guidarmi e rispondo direttamente a ciò che la carta mi offre. L’idea di dialogo è esplorata come una sorta di immagine ibrida, tra ciò che è già lì e non può essere cambiato, e il mio contributo personale.

Ripensando al tuo percorso con The Artist Roundtable, c’è uno scambio, un consiglio o un momento di vulnerabilità che ha cambiato il tuo modo di vedere cosa significa essere un artista oggi?

Guardando al mio percorso con The Artist Roundtable, un momento che ha davvero cambiato la mia prospettiva è stata la consapevolezza del privilegio raro che rappresenta, per un artista all’inizio della propria carriera, incontrare — anche solo virtualmente — professionisti dell’arte così eccezionali. Mi ha aperto gli occhi sui moltissimi percorsi che un progetto artistico può intraprendere, e sul fatto che non esiste una “ricetta giusta” (rimanendo in tema con la metafora della tavola). Ciò che mi ha colpito di più è stato scoprire che anche artisti e professionisti molto affermati portano con sé dubbi sul proprio lavoro, sul proprio percorso e sul proprio rapporto con il mercato. Sentire la storia di Michael Sailstorfer, per esempio, ha lasciato un’impressione molto forte in me. Il modo in cui anche le idee più semplici possono svilupparsi in direzioni impreviste, la profondità della sua ricerca materiale, il modo in cui struttura la propria pratica — e soprattutto la semplicità e generosità con cui ha condiviso il suo processo — sono stati profondamente ispiranti. Questi incontri mi hanno aiutato a capire che la crescita artistica avviene spesso nello spazio tra apertura e scambio. In definitiva, ho realizzato che la tavola è un luogo a cui torniamo non perché abbiamo tutte le risposte, ma perché abbiamo tutti qualcosa da condividere.

@noemiello

Noemi Durighello è rappresentata dalla SMDOT Contemporary Art di Udine, Italia.

1. The Artist Roundtable has always emphasised openness, care and mutual learning. How has participating in this community influenced the way you approach your own artistic practice — whether in your studio, collaborations or the way you think about audience engagement?

Having a continuous exchange with people from the art world and with other artists has always played a central role in my practice. For this reason, a few years ago I consciously decided to work in a shared studio. I am convinced that making art is, above all, a team effort: having a trusted group with whom I can regularly exchange ideas is essential for the development of my individual work and for how it is ultimately presented to the public.

Participating in the Artist Roundtable has expanded this network even further and opened new doors to artists and professionals from all over the world. Thanks to this project, I feel part of an even larger community with whom I can share not only creative ideas, but also the behind-the-scenes aspects of producing art, the parts we often speak about with a bit more hesitation.

2. “Table Manners” transforms the idea of a shared table into a metaphor for dialogue and connection. How does your work in the exhibition respond to or embody, this idea of gathering — of being in conversation with others through art?

The work I am presenting in the exhibition is a series of A3 works on paper from my “Second Natures” series. In these pieces, I paint in oil over digital collages (made on my phone) that are printed on paper.

Here, material and its reproduction merge into a set of interwoven compositions in which I fragment and reassemble images drawn from my digital archive, while the painterly gesture completes their meaning: connecting or erasing elements as it unfolds. Since I do not work with preparatory drawings, I let intuition guide me and respond directly to what the paper offers. The idea of dialogue is explored as a kind of hybrid image, between what is already there and cannot be changed, and my own personal input.

3. Looking back on your journey with The Artist Roundtable, is there a particular exchange, piece of advice, or moment of vulnerability that shifted your perspective on what it means to be an artist today?

Looking back at my journey with The Artist Roundtable, one moment that truly shifted my perspective was realising what a rare privilege it was, as an artist at the beginning of my career, to meet, even virtually, such exceptional art professionals. It opened my eyes to the countless paths an artistic project can take, and to the fact that there is no such thing as the “right recipe” (staying on theme with the table metaphor).

What struck me most was discovering that even highly recognized artists and professionals carry doubts about their work, their trajectory, and their relationship with the market. Hearing Michael Sailstorfer’s story, for example, left a strong impression on me. The way even the simplest ideas can unfold in unexpected directions, the depth of his material research, the way he structures his practice - and above all, the simplicity and generosity with which he shared his process, were deeply inspiring.

These encounters helped me understand that artistic growth often happens in the space between openness and exchange. Ultimately, I realised that the table is a place we return to not because we have all the answers, but because we all bring something to share.

@noemiello

Noemi Durighello is represented by SMDOT Contemporary Art, Udine, Italy.