L’attenzione è diventata il bene più prezioso di questo secolo e il mondo dell’arte ha impresso questa lezione sempre più profondamente nei suoi principi operativi ogni anno. Ma mentre artisti, gallerie commerciali, istituzioni, marchi culturali e pubblicazioni competono quotidianamente per conquistare una preziosa fetta del tuo spazio mentale, dire di meno sta diventando di nuovo una forza magnetica nella scena artistica di New York. Per averne la prova, basta fare un salto alla mostra personale di Laura Owens (fino al 19 aprile), che si tiene nei due spazi della galleria Matthew Marks sulla West 22nd Street. Dico «fare un salto» perché leggendo il comunicato stampa non si scopre quasi nulla di ciò che la celebre artista ha in serbo per la sua prima personale in questa città dal 2017. Il dettaglio più esplicativo fornito dalla dichiarazione è che la mostra consiste in «un ambiente immersivo di nuove opere di pittura, scultura e libri fatti a mano» che «include anche elementi cinetici, pezzi in movimento all’interno delle opere d’arte che puntano continuamente ai loro contesti spaziali e temporali». Oltre a questo, null’altro.

Gioco e scoperta
Sebbene la strategia possa sembrare fastidiosa sulla carta, dopo aver visitato la mostra direi che entrare senza quasi nessuna conoscenza preliminare amplifica il senso di gioco e scoperta centrale della sua premessa. Ci sono molteplici porte segrete e un video che ho dovuto individuare con l’aiuto del personale della galleria. Tre diverse sale funzionano come indovinelli visivi, sfidando gli spettatori a separare motivi stampati, oggetti e svolazzi da quelli dipinti a mano e tridimensionali. La reception della galleria più grande appare nella  checklist della mostra per una buona ragione: non passateci davanti senza guardare da vicino, e sfogliando gli ingegnosi libri fatti a mano dall’artista si svelano (a volte letteralmente) ogni sorta di deliziose, a volte maliziose sorprese. 

Una mostra avvolta in un mistero ancora maggiore è stata inaugurata a Tribeca lo stesso giorno di quella di Owens. Intitolata «Stanley Brouwn: in a certain direction», è stata curata da Yoshi Hill, un mercante di libri d’artista rari, per lo spazio espositivo Portal 5. Brouwn, artista concettuale nato in Suriname e legato al movimento Fluxus, morto nel 2017, ha assunto una quasi monastica posizione contro la commercializzazione di se stesso e della sua arte per gran parte della sua carriera: ha detto no alle interviste, alle fotografie delle sue opere e ai testi esplicativi all’interno o all’esterno delle sue mostre. Hill ha rispettato i desideri dell’artista scomparso come un modo per «fornire un rapporto diretto tra l’opera e lo spettatore che è sempre più difficile da preservare in un mondo definito dall'economia dell'attenzione», dice. «Da parte mia, a parte l’annuncio degli orari di apertura giornalieri, la promozione è stata minima e, dalla seconda settimana della mostra, il passaparola ha attirato un sorprendente mix di artisti, curatori, giornalisti, storici dell'arte, frequentatori di gallerie e collezionisti», dice Hill. Molti, aggiunge, hanno espresso sollievo per non aver avuto bisogno di tirare fuori il telefono. Un intrigo efficace può emergere in modo organico. Alex Meurice, proprietario della galleria Foreign & Domestic nel Lower East Side, lo ha imparato attraverso la mostra collettiva «God alone loves all things and he loves only himself» (fino al 6 aprile). La mostra è stata allestita in sole sei settimane a causa di un problema di programmazione. Meurice afferma che il comunicato stampa, che consiste interamente di sei frasi sul divino della defunta filosofa francese Simone Weil, era «in parte una funzione del tempo compresso in cui è stato concepito e in parte una reazione contro il noioso obbligo di spiegazione o esegesi». Ad accompagnare il testo c’è l’immagine di una scultura provocatoria dell’artista Jonah Dillon, che comprende un crocifisso rovinato dal tempo fissato alla griglia di un ventilatore industriale funzionante.

L’atmosfera enigmatica della mostra si estende a uno dei suoi artisti in mostra, TINMANTIS, che vive in South Carolina. Le sue opere, che spesso fanno riferimento alla tecnocrazia oscura in cui stiamo entrando, hanno ottenuto il sostegno dell’artista pionieristico di ispirazione punk Mark Flood e di un altro «noto artista newyorkese che colleziona le sue opere», dice Meurice. Il gallerista aggiunge di aver interagito con TINMANTIS solo tramite messaggi (per lo più messaggi diretti su Instagram), ma immagina che l’artista sarebbe felice di uscire dal suo relativo isolamento «quando arriverà il successo tanto desiderato». Fino ad allora, tuttavia, il silenzio e le ombre hanno i loro vantaggi. «Penso che oggi l’informazione serva più a oscurare il mondo che a rivelarlo», dice Meurice. «Sogniamo uno spazio che non ci chieda nulla, dove non dobbiamo dare spiegazioni o riceverne, dove possiamo restare un minuto o un’ora, da soli o in gruppo, e non pagare nulla. Penso che questo sia il potere e la bellezza di una grande galleria».