Il progetto pensato per Arte Fiera non intendeva provocare, ma piuttosto porre delle domande sulla responsabilità del ruolo dello spettatore, e si mette in strettissima relazione con una serie di argomentazioni su cui si fonda tutta la poetica del mio lavoro, soprattutto legata agli anni della fine del millennio, da quando ho cominciato a fare opere pubbliche. Penso che lo spettatore sia una figura così fondamentale che senza di esso, e il suo sguardo, l’opera non esisterebbe e quindi, più che provocazione, preferisco intraprendere un discorso di relazione tra questi due poli. Attraverso quest’opera io ho chiesto, con grande rispetto, che lo spettatore, all’interno di uno spazio molto specializzato sull’arte, compisse lo sforzo di cercare l’opera d’arte.

Era il 1993, precisamente trent’anni fa, quando Giacinto di Pietrantonio curò la mostra «Territorio Italiano», per la quale invitò una serie di artisti di altissimo livello, da John Armleder a Michelangelo Pistoletto, a realizzare un’opera in un luogo a propria scelta. In quell’occasione io decisi di installare all’interno della stanza 402 del Palace Hotel di Bologna un grande cristallo dipinto sul retro con pittura fosforescente, «Opera per camera da letto». All’epoca insegnavo all’Accademia di Belle Arti di Bologna e quella stanza era per me una seconda casa. Ancora oggi, chiunque si trovi ad affittare quella stanza, una volta spente luci vedrà l’opera illuminarsi. Questo lavoro racconta di una storia molto segreta, intima, nascosta, direi addirittura clandestina... come certe storie d’amore. Parlo della storia d’amore tra opera d’arte e spettatore, senza il cui sforzo l’opera non esisterebbe. Per la dichiarata volontà del direttore artistico di Arte Fiera Simone Menegoi di celebrare questo trentennale, ho deciso di riproporre un’opera simile all’interno dei padiglioni della fiera.

Ci troviamo oggi in una società sempre più ubiqua e liquida: in questo contesto le opere hanno una grande voglia di uscire dal museo. Così facendo, rischiano di perdere l’aura di opera e io penso che siamo noi spettatori a dover sforzarci di porre su di loro la giusta attenzione. Immagini di prendere l'orinatoio di Duchamp, ma possiamo parlare di tantissimi artisti le cui opere fuori dal contesto perderebbero di senso; io voglio che lo spettatore faccia questo grande sforzo di assumersi la responsabilità di cercare l’opera: non farebbe altro che difendere l’arte.

Il lavoro dell’arte si sviluppa e si potenzia sempre di più nel momento in cui l’opera diventa uno strumento conoscitivo e politico. Penso a che cosa è successo dentro al grande sistema della Chiesa, che è stata la più grande committente d’arte della storia ed è grazie all’arte che si è messa in relazione con moltitudini di persone. In questo senso possiamo considerare Giotto come il più grande pubblicitario di allora, quando non c’erano i quotidiani o la televisione e l’unico modo di raccontare era la pittura. Per individuare degli episodi più specifici, delle opere che sempre attivamente mi toccano sono la «Trinità» di Masaccio a Santa Maria Novella e la «Deposizione di Cristo» di Rosso Fiorentino a Volterra, in cui vengono raccontate delle storie che appartengono a tutti, che coinvolgono visioni collettive e uniscono moltitudini di persone attraverso l’arte. L’arte sintetizza la storia della collettività.

Senza esitare dovrei dire che il lavoro «Ai nati oggi» è stato quello più sentito dal pubblico. Guarda caso ancora una volta tocca un argomento che riguarda l’arte, perché la natività è un tema classico dell’arte; dall’altra parte crea una rete nel paesaggio urbano e riesce pienamente a coinvolgere il pubblico inconsapevole, non specialistico. Credo che «Ai nati oggi» sia un lavoro interessante perché nella storia sono stati fatti monumenti ai caduti, ai feriti, alle tragedie, ai morti... E invece io ho realizzato un’opera che fosse una specie di antimonumento per i vivi, e questo ha avuto un grande riscontro. Ho realizzato per la prima volta «Ai nati oggi» a Bergamo nel 1998, dopo che la morte di mia madre mi aveva portato a riflettere sul tema della nascita. Successivamente è stato ripresentato a Gand, Istanbul, Mosca, Plovdiv e Roma.

Si può dire che l’artista sia il primo vero spettatore.

Maurice Blanchot diceva che ciò che più conta nell’arte è la misteriosità dell’evento visivo. L’arte avrà bisogno sempre dello spettatore e lo spettatore avrà sempre bisogno di rapportarsi con le opere d’arte.