• Melbourne, Ngv-The National Gallery of Victoria, The Ian Potter Centre: «Another other: The Photo-Politics of Gary Lee» (dal 5 aprile a ottobre)

La più grande esposizione istituzionale del lavoro di Lee fino ad oggi, con 42 opere che entrano nella collezione Ngv. Gary Lee è un’icona. È un fotografo, un antropologo, un drammaturgo, un curatore e un uomo queer Larrakia. Nato a Darwin nel 1952, Lee è stato in prima linea nell’attivismo, nel mondo accademico e nell’arte fin dagli anni ’80. Ha vinto molti riconoscimenti, tra cui un Telstra National Aboriginal and Torres Strait Island Art Award per il suo lavoro su carta «Nagi», 2022. Eppure in passato è stato escluso dal mainstream per non essere «abbastanza aborigeno». Nelle opere in mostra attraverso dispositivi postmoderni come l’appropriazione e l’intertestualità, Lee dà priorità alla narrazione della verità di Larrakia in una conversazione diretta con l’immaginario coloniale dei suoi antenati. In questo modo, la pratica di Lee è visiva e discorsiva, impegnandosi con l’archivio sia per sfidare i miti coloniali sia per dare vita a nuove prospettive.

• New York, MoMA: «Odili Donald Odita. Songs from Life» (dall’8 aprile ad aprile 2026)

Nella nuova commissione su larga scala di Odili Donald Odita nella hall del MoMA, colori vivaci e motivi astratti creano un caleidoscopio a cascata. E per la prima volta nel processo di sviluppo dell’artista, la musica funge da fonte primaria di ispirazione. «Songs from Life» sarà dipinta nel corso di sei settimane, con i visitatori che potranno vedere l’opera site specific emergere attraverso le pareti e le colonne. Realizzata con vernice acrilica in lattice, l’installazione dal pavimento al soffitto offre un’esperienza coinvolgente, con Odita che descrive i suoi colori come espressioni di libertà e cambiamento. Ogni sezione dipinta è ancorata a una selezione di canzoni che ampliano la concezione dell’artista della hall del MoMA come spazio di incontro per persone provenienti da diversi percorsi di vita. «C’è una sorta di energia che è comune a tutti, grazie al modo in cui la musica può influenzare il corpo, ha detto Odita. È così che voglio far funzionare anche i miei dipinti».

• Buenos Aires: Fundación Malba-Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires: «Sandra Vásquez de la Horra. Los volcanes despiertos» (dall’11 aprile al 28 luglio)

La prima mostra personale in Argentina dell’artista cilena Sandra Vásquez de la Horra, nota per la sua recente partecipazione alla Biennale di Venezia e per aver ricevuto il prestigioso premio Käthe Kollwitz nel 2023. La mostra è composta da dipinti, disegni e incisioni di questa artista residente a Berlino, Germania. La mostra è divisa in quattro nuclei: «Late un fuego allí dentro», che esplora il rapporto tra il corpo e il paesaggio; «Botánica de la evolución», che esamina attentamente i cicli della vita; «Los pensamientos», che mette in discussione il modo in cui le immagini dialogano con la scrittura; e «Aguas profundas», che offre una coesistenza tra gli esseri umani, la spiritualità e il nostro ambiente. Il percorso espiativo è costituito da opere create nel corso di quattro decenni di carriera, in cui Vásquez de la Horra esplora mitologie, piante fantastiche e ibride, diverse geografie e testi scritti in spagnolo, inglese, italiano, latino e tedesco, che ampliano le possibilità semantiche di ogni opera.

• New York, Metropolitan Museum of Art: «The New Art: American Photography, 1839-1910» (dall’11 aprile al 20 luglio)

Il percorso espositivo presenta una nuova e audace storia della fotografia americana dalla nascita del mezzo nel 1839 al primo decennio del XX secolo. Tratte dalla collezione William L. Schaeffer del Met, le opere più importanti di artisti acclamati come Josiah Johnson Hawes, John Moran, Carleton Watkins e Alice Austen sono esposte in dialogo con fotografie di professionisti sconosciuti realizzate in piccole città e paesi da costa a costa. Con una serie di formati, dai dagherrotipi e carte de visite alle stereografie e cianotipie, la mostra esplora il drammatico cambiamento nel senso di sé della nazione, guidato dall’immediato successo della fotografia come preoccupazione culturale, commerciale, artistica e psicologica. Nel 1835, ancor prima dell’annuncio quasi simultaneo dell'invenzione della nuova arte a Parigi e Londra, il filosofo e saggista americano Ralph Waldo Emerson osservò con notevole lungimiranza: «La nostra è un’epoca oculare».

• New York, Frick Collection: «Porcelain Garden: Vladimir Kanevsky at The Frick Collection» (dal 17 aprile al 6 ottobre)

In concomitanza con la riapertura della sua sede recentemente rinnovata e migliorata sulla Fifth Avenue, la Frick Collection presenta una serie di opere commissionate allo scultore Vladimir Kanevsky (nato nel 1951 in Ucraina). Note per i loro fiori in porcellana realistici, le sculture di Kanevsky sono state esposte in musei di tutto il mondo. Le sue sontuose creazioni vogliono evocare i bellissimi bouquet vivi esposti in tutto il museo quando fu aperto al pubblico per la prima volta nel 1935.

• New York, Frick Collection: «Highlights of Drawings from The Frick Collection» (dal 17 aprile all’11 agosto)

Una mostra di opere su carta provenienti dalla collezione permanente del Frick inaugura la nuova galleria Cabinet. Questi fogli sono raramente esposti a causa della loro sensibilità alla luce. La selezione di dodici opere spazia da schizzi a opere d’arte indipendenti altamente rifinite di artisti come Pisanello, Rubens, Goya e Degas, che abbracciano il periodo che va dal XV al XIX secolo e completano le collezioni del museo di dipinti, sculture e arti decorative.

• Abu Dhabi, Distretto Culturale di Saadiyat: «teamLab Phenomena» (permanente dal 18 aprile) 

Un nuovo percorso immersivo del collettivo internazionale TeamLab, fondato a Tokyo nel 2001, «un viaggio multisensoriale di 17mila metri quadrati gestito da Miral Experiences, sussidiaria di Miral, che include imponenti esposizioni trasformative in grado di condurre i visitatori in un’esperienza ricca di sensazioni, capace di trascendere l'ordinario. Le esposizioni coinvolgono vista, udito e tatto, stimolando il pubblico ad ampliare il proprio modo di percepire, connettersi e interagire con il mondo circostante. Tra arte, scienza e tecnologia, le opere d’arte non esistono in modo autonomo: l’ambiente crea infatti vari fenomeni che diventano parte integrante dell’opera stessa, offrendo un’esperienza dinamica e in continua evoluzione. TeamLab Phenomena Abu Dhabi rappresenta una nuova aggiunta fondamentale al Distretto Culturale di Saadiyat che, una volta completato, sarà la più grande concentrazione di istituzioni culturali ed educative di livello mondiale. Il distretto è infatti casa del Louvre Abu Dhabi, il primo museo universale del mondo arabo, del centro culturale Manarat Al Saadiyat, che ospita importanti mostre d’arte, tra cui due degli eventi culturali più significativi della città, Abu Dhabi Art e Culture Summit Abu Dhabi, e del Berklee Abu Dhabi, che offre programmi educativi di livello mondiale nelle arti performative. il Distretto Culturale di Saadiyat, inoltre, si arricchirà presto con il Museo Nazionale Zayed, il Museo Nazionale degli Emirati Arabi Uniti, il Museo di Storia Naturale di Abu Dhabi, che racconta la storia della vita sulla Terra e le origini del nostro universo, e dal Guggenheim Abu Dhabi, che ospiterà una collezione globale di arte moderna e contemporanea.

• New York, MoMA: «Woven Histories. Textiles and Modern Abstraction» (dal 20 aprile al 13 settembre)

La mostra indaga i legami tra la tessitura e l'astrazione. Con opere di Sonia Delaunay, Hannah Hoch e Sophie Taeuber-Arp, i cui lavori tessili sono paralleli alla loro pittura e al loro disegno, opere di metà secolo di Albers e Ed Rossbach e opere contemporanee di Rosemarie Trockel, Andrea Zittel e Igshaan Adams, questa mostra riunisce più di 150 oggetti diversi e interdisciplinari. Mettendo in evidenza le questioni del lavoro e dell’identità che sono intrecciate con la moderna produzione tessile, il percorso espositivo  evidenzia come la tessitura e i tessuti siano il legame per eccellenza tra l’esperienza vissuta e l’arte. Incorporando cesteria, abbigliamento e più di un secolo di altre opere tessili che sfidano le divisioni accettate tra arte e artigianato, questa mostra amplia la storia dell'astrazione, suggerendo che non solo le idee ma anche i materiali, come il tessuto intrecciato, annodato e intrecciato, sono fondamentali per la sua comprensione e il suo successo.

• Doha, National Museum of Qatar: «Latinoamericano. Arte moderna e contemporanea dalle collezioni Malba ed Eduardo Costantini» (dal 21 aprile al 19 luglio)

Qatar Museums (Qm) e il Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) presenteranno la mostra la prima grande esposizione di arte moderna e contemporanea latinoamericana nella regione Wana-West Asia and North Africa. La morsa si colloca nell’ambito dell’Anno della Cultura Qatar-Argentina-Cile. Curata da Issa Al Shirawi, curatore e responsabile delle mostre internazionali ai Qatar Museums, e María Amalia García, curatrice capo del Malba, «Latinoamericano» affronterà la questione: come rappresentare o catturare la diversità di un intero continente attraverso le immagini? Attraverso le collezioni del Malba, di Eduardo F. Costantini e dei Qatar Museums, la mostra offrirà una panoramica della produzione artistica di un intero continente, attraverso gruppi di opere di artisti chiave dal 1900 ai giorni nostri. Saranno esposte circa 170 opere di oltre 100 artisti provenienti da Argentina, Brasile, Cile, Colombia, Cuba, Paraguay, Messico, Venezuela e Uruguay, tra pittura, fotografia, video, scultura, installazioni e documentazione d’archivio.

• Tokyo, Kusma Museum: «Reverberation from the Universe» (dal 24 aprile al 31 agosto)

Fin da giovane, Kusama ha sofferto di allucinazioni visive e uditive. Le sue condizioni di salute mentale hanno avuto un enorme impatto sulle attività creative dell’artista. Questa mostra si concentra sul tema della malattia, che può essere descritto come la forza trainante dell’arte di Kusama, presentando una gamma diversificata di opere e materiali correlati, dai suoi primi anni fino a oggi. 

• New York, Metropolitan Museum of Art: «Sargent and Paris» (dal 27 aprile al 3 agosto)

La mostra esplora la prima parte della carriera del pittore americano John Singer Sargent (1856-1925), dal suo arrivo a Parigi nel 1874 come precoce studente d’arte diciottenne fino alla metà degli anni Ottanta del XIX secolo, quando il suo iconico ritratto «Madame X», uno dei pezzi più amati della collezione del Met, riscosse uno scandaloso successo al Salon di Parigi. La mostra esamina in profondità questo affascinante ritratto, culmine artistico dei primi anni di Sargent a Parigi, e i numerosi schizzi preparatori ed è esposto insieme a ritratti selezionati di parigine realizzati dai contemporanei di Sargent. Nel percorso espositivo diverse opere di Sargent di questo periodo illustrano non solo lo studio di ritratti, ma anche le ispirazioni che gli derivarono dai viaggi in Italia, Paesi Bassi, Spagna e Nord Africa.